За какими современными художниками из России точно стоит следить

Современная российская арт-сцена по-настоящему бурлит: в ней переплетаются цифровые эксперименты, переосмысление фольклора и острые социальные высказывания. Рассказываем о художниках, чьи проекты уже задают тренды и точно заслуживают вашего внимания.

Покрас Лампас

Покрас Лампас (настоящее имя — Арсений Сергеевич Пыженков) известен в первую очередь как каллиграф и идеолог каллиграфутуризма, однако его творчество не ограничивается этим: он активно занимается перформансом. В своих акциях художник экспериментирует с образами — например, предстаёт в костюме японского демона или техновитязя. Кроме того, он проводит публичные мастер-классы и создаёт инсталляции в городской среде.

Псевдоним художника сложился из двух частей. «Покрас» — распространённое в стрит-арт-среде выражение, означающее «пойти покрасить». «Лампас» — рифма, которая просто понравилась художнику. Со временем он официально сменил паспортное имя на этот псевдоним и отказался от указания отчества во всех официальных документах.

Среди известных проектов Покраса Лампаса — роспись крыши завода «Красный Октябрь» в Москве (2015), созданная по заказу Panasonic самая большая в мире каллиграфия площадью 1625 м², видимая из космоса, для которой потребовалось 730 литров чёрной и белой краски.

Источник: wikipedia.org, Д. Иванов

Также художник выполнял роспись крыши Дворца итальянской цивилизации в Риме (2017) по заказу модного дома Fendi — каллиграффити площадью 1250 м², на которое ушло 550 литров краски, с текстом, посвящённым современным творцам и идее объединения разных культур.

В 2018 году в столице проходила выставка «Жизнь одного художника» в «Новом Манеже», в течение которой на протяжении 20 дней художник лично работал над холстами и инсталляциями в пространстве выставки.

Источник: mos.ru

В копилке творца также инсталляция для UEFA Euro-2020, созданная в 2021 году по заказу «Газпрома» из 432 футбольных мячей и после оцифровки ставшая наградой за лучший гол турнира, а также произведение «Connecti0n <—> Связь» (2024), созданное для выставки «Весть» в Русском музее и вошедшее в постоянную экспозицию.

Елена Ковылина

Елену Ковылину называют русской Мариной Абрамович. Она училась она в Москве, Цюрихе и Берлине — у Ребекки Хорн. С Абрамович её сближают жёсткость, бесстрашие и провокационность ранних работ, высокая степень риска, проверка зрителя «на вшивость» и понимание того, что любая реакция публики становится частью акции. Смелость художественного эксперимента также роднит её перформансы с работами Абрамович.

Источник: wikipedia.org, Valerij Ledenev from Moscow, Russia

В 2000 году Ковылина отправилась в открытое море на лодке без вёсел («Спасите мою душу»), поставив сверхценность искусства выше опасности гибели. В Берлине она приходила на вечеринку в скромном тёмном халатике с орденами военных времён и бутылкой водки, приглашала кавалеров на вальс, после каждого танца выпивала водку и прикалывала награду к груди («Вальс», 2001). Она стояла с петлёй на шее на табуретке («Сделай сам!», 2000) и смотрела в глаза людям, которые стреляли в её сторону («Тир»).

В платье с декольте она молча ждала, устремив взгляд вверх, пока зрители прикалывали бриллиантовые украшения к её коже, а не к ткани («Мадонна в драгоценностях», 2003). Вызывала на поединок на ринге всех желающих, превращая конкуренцию в искусстве в честный бой («Бокс», 2005). Приглашала гостей за изысканно сервированный стол и, пока они наслаждались чаем и пирожными, неспешно поджигала скатерть («Не хотите ли чашечку чая, или Сожги мир буржуазии», 2009). Лежала на рояле в позе Данаи во время исполнения произведений Моцарта у памятника Моцарту в Зальцбурге («Живой концерт», 2004) и целый час держала на себе деревянную модель русской избы («Кариатида», 2010).

В отличие от Марины Абрамович, Елена Ковылина привержена классическому модернистскому перформансу, в котором нет места повторению личного перформанса другими «действующими лицами».

Олег Доу

Олег Доу (настоящее имя — Олег Дурягин) — современный российский художник, родившийся в Москве в 1983 году. Его практика развивается на стыке фотографии, цифровых технологий и скульптуры. 

Художественный язык Доу часто определяют как «цифровое» или «кибербарокко»: это соединение классической эстетики с новыми технологиями, где сложные композиции, драматичное освещение и высокая детализация переосмысляются через цифровые инструменты.

В своих работах он обращается к фундаментальным темам человеческого существования — тайне рождения, хрупкости детства и неотвратимости смерти. Визуальными лейтмотивами нередко становятся текучесть и жизненные субстанции: капли, сочащееся молоко, лепестки цветов, символизирующие уязвимость и эфемерность жизни. Ключевая особенность его творчества — стремление вызвать у зрителя амбивалентное чувство: с одной стороны, эстетическое удовольствие, с другой — психологический дискомфорт. Для этого художник доводит образы до состояния искусственности: лица моделей сглажены, кожа напоминает фарфор, а эмоции сведены к минимуму.

Виталий Пушницкий

Виталий Юрьевич Пушницкий — художник, принадлежащий к числу ведущих современных мастеров России. В своей практике он обращается к живописи, графике и скульптуре, а также создаёт инсталляции и арт-объекты. Кроме того, с 2022 года он выпускает книги в жанре философской прозы.

Источник: wikipedia.org, Vitaly Pushnitsky

Виталий Пушницкий соединяет в своих работах классические изобразительные языки с современными технологиями и стратегиями. Он часто работает сериями, которые могут длиться годами и пересекаться по содержанию; среди наиболее известных — живописные циклы «Studio» (с 2014 года) и «Tribute» (с 2016 года). Одна из ключевых тем его творчества — исследование пространства мастерской и его связи с архитектурой, а также осмысление феномена времени. В серии «Ожидание. Студия» художник изображает интерьеры мастерских: часто они выглядят пустотными, но в них видны следы жизни — холсты, мольберты, краски, книги.

Источник: wikipedia.org, Pushnitsky studio

Пушницкий активно экспериментирует с материалами и техниками: создаёт произведения на стыке живописи и объекта, интегрирует видео в живопись, а в 2019 году в рамках проекта «Gap» создал видеоработы в формате NFT — первые в российской галерее образцы такого рода. Искусствоведы относят его творчество к метамодернизму, отмечая диалог с классическим искусством и переосмысление сюжетов старых мастеров.