По строгим правилам искусства: Пять необычных примеров влияния науки на живопись

На протяжении существования человека наука являлась важнейшей составляющей его культуры. Благодаря ей люди познавали природу, улучшали и упрощали свою жизнь, развивались как вид. Не менее фундаментальным по своей важности феноменом в культуре человечества является искусство. Еще с древнейших времен люди стремились осмыслить действительность через живопись и скульптуру, в последствие искусство развивалось и принимало новые формы. Многие изменения были бы невозможны без вмешательства науки, поэтому и творческие начинания человека не могли обойти вниманием эту сферу культуры. Принимая науку, искусство значительно расширяет границы и темы своего содержания.

В работе «Влияние науки на искусство» Сергея и Любови Денисовых авторы замечают, что  до XIX века наука почти не была интересна искусству и очень редко с ним соприкасалась. Однако сегодня искусство невозможно представить без вмешательства научного метода. Именно открытия в разных научных сферах стали причиной появления новых литературных жанров, например, научной фантастики, и даже поспособствовали рождению новых форм искусства, таких как художественная фотография, кино и т.п.

Влияние науки на литературу или кинематограф проследить достаточно просто, чего нельзя сказать о живописи. Мы привыкли к тому, что картины отражают внутренний мир художника, его переживания или оценку окружающей его действительности. В данной статье будет рассмотрено пять незаурядных примеров влияния науки на живопись, которые покажут, насколько сильно переплетаются эти два культурных феномена.

Дюрер — теоретик геометрии

Эпоха Возрождения (условные границы которого можно определить, как XIV-XVII века) — один из переломных моментов в истории искусств. В это время возрастает интерес к античной культуре (античной философии, литературе, изобразительному искусству и науке). В эпоху Возрождения также происходит пересмотр восприятия действительности, оно становится субъективным. Новое, субъективно-психологическое понимание познания изменило подход в искусстве и науке. Если в Средневековье живопись исключала субъективность и подчинялась правилам, таким как следование Священному Писанию и догмам священнослужителей, то в Возрождении художники обратились к восприятию через призму личного человеческого опыта. На смену схематичным иконам приходят картины, созданные по правилам перспективы и пропорции.

Главными теоретиками новых правил стали два выдающихся деятеля эпохи Возрождения — Альбрехт Дюрер и Леонардо да Винчи.

Именно Дюрер был автором первого учебника геометрии в Германии — «Руководство к измерению с помощью циркуля и линейки в линиях, плоскостях и целых телах, составленное Альбрехтом Дюрером и напечатанное с соответствующими чертежами в 1525 году на пользу всем любящим искусство». В своих работах немецкий художник исследовал как прямую, так и извилистую перспективу (в прямой перспективе предметы уменьшаются пропорционально по мере удаления их от зрителя. В извилистой же умышленно искажается пространство, захватывая не только то, что попадает в человеческий угол зрения, но и то, что он видит периферическим зрением). Исследования Дюрера стали революционными для своего времени, они открыли художникам новый способ изображения действительности.

Леонардо да Винчи, пользуясь работами немецких ученых, также исследует перспективу. Для него она становится средством, позволяющим, как выразилась Ирина Чечеткина в работе «Взаимодействие философии, искусства и науки в эпоху Возрождения», «добиться чувственного правдоподобия изображаемых вещей». Однако да Винчи не просто копировал и дополнял работы о перспективе. Его также интересовал поиск гармонии и пропорции человека в изобразительном искусстве. Наследие итальянского художника и ученого составляет множество записей по анатомии, в которых он приводит примеры измерения тела человека, сопровождая их рисунками. Одной из самых известных работ Леонардо в этой сфере является «Витрувианский человек». Рисунок сопровождается текстом, в котором автор описывает пропорции человеческого тела.

Сюрреализм и сны

Многим знакомо имя Зигмунд Фрейд. Его носил австрийский психиатр, который стал основоположником психоанализа. Фрейд не просто изучал человеческое бессознательное, он был одним из первых ученых, проявивших интерес к психологическим аспектам развития сексуальности и выдвинувших теорию о конфликте между разными уровнями психики человека — сознанием и стихийным бессознательным. В последствии Фрейд расширил сферу применения психоанализа, он стал накладывать его на различные области человеческой культуры, такие как мифологию, фольклор, искусство и т.п.

Влияние как самого Фрейда, так и психоанализа коснулось и искусства. В 1920-х годах, во Франции появляется новое художественное движение — сюрреализм. Его последователи, являясь поклонниками психоанализа, пытались проникнуть в мир бессознательного и освободить его из под гнета рассудка и логики. В 1924 году французский поэт Анре Бретон опубликовал «Первый манифест сюрреализма». В нем движение было определено как «чистый психический автоматизм, имеющий целью выразить, или устно, или письменно, или любым другим способом, реальное функционирование мысли». Интересно и то, что сам Бретон был практикующим врачом во время Первой мировой войны, что обуславливало его осведомленность в психологии Фрейда.

Фрейдистские взгляды стали настолько популярными среди сюрреалистов, что превратились в их образ мышления. Например, Макс Эрнист рассматривал предметы необычной формы, развивая воображение, а Сальвадор Дали писал картины под влиянием сновидений, а иногда и в состоянии полусна. Однако не только фрейдизм повлиял на сюрреализм, само художественное движение также популяризировало идеи Фрейда, являясь доказательством его правоты.

Отражение квантовой физики в кубизме

На первый взгляд может показаться, что физика никак не может повлиять на развитие живописи. Если биология (правильные пропорции, анатомические нюансы изображения тела человека или животного) или химия (умение смешивать различные вещества для получения правильной консистенции, цвета красящего материала) достаточно близки к изобразительному искусству, то физика кажется самой отдаленной от искусства наукой. Однако Г. Паркинсон в работе «Сюрреализм и квантовая механика: дисперсия и фрагментация в искусстве, жизни и физике» (2004) решил оспорить данный тезис. «Широкомасштабный обмен, который происходил между авангардным искусством и наукой в 1930-е годы во Франции, в связи с новыми вызовами, брошенными традиционным формам рационализма со стороны современной физики, психологии и философии, говорит об обратном», — пишет Паркинсон.

Период с 1919 по 1927 год был ознаменован формированием квантовой механики. В это время интеллигенция, в которую входили и деятели искусств, стала активно интересоваться научными достижениями. Те же сюрреалисты и абстракционисты активно следили за переменами в области ядерной физики. Но если сюрреалисты в большей степени были увлечены фрейдизмом, то приверженцы абстрактного искусства, в особенности кубисты, обратились к точным наукам.

Например, художник Вольфганг Паален считал, что кубизм неотделим от физики. Нельзя считать совпадением, что «пересмотр и отказ от ряда фундаментальных принципов в физике и в живописи произошли практически одновременно. Неслучайно, что еще в 1913 году Г. Аполлинер говорил о связи между неевклидовой геометрией и кубизмом». Паален считал, что кубизм, отвергнув традиционное изображение трехмерного пространства, указал путь всему искусству 20 века. Художник наблюдал здесь параллель с физикой: кризис предметности в искусстве аналогичен кризису причинности в науке.

Мнение Паалена поддерживал и искусствовед Карл Эйнштейн. Он так же наблюдал, что квантовая физика поставила под сомнение причинность, на которую опиралась наука того времени. Неопределенность, которая возникла в мире, догмы, разрушенные научными открытиями—все это отразилось в кубизме.

Космическое искусство

Выше были описаны многим известные направления, такие как сюрреализм и кубизм. Хотя они возникли всего сто лет назад, для современного человека оба эти направления уже стали привычными или даже устаревшими. Однако не большое количество любителей искусства знают о таком направлении, как космическое искусство (Подробнее о развитии данного направления можно прочитать на сайте).

Космос интересовал человечество на протяжении тысячелетий, но только во второй половине прошлого века люди смогли начать его непосредственное освоение. Космическое искусство возникло в конце 1950-х годов, а окончательно сформировалось как направление в 1982 году после образования Международной ассоциации астрономический художеств. Существует два направления в космическом искусстве: первое — реалистическое — стремится просвещать людей, оно нацелено на объективное и максимально подробное изображение космоса, второе — импрессионистическое — черпает вдохновение в космической тематике и не стремится к объективности.

Существует два центра развития космического искусства — Россия (Андрей Соколов) и США (Тревор Паглен). В связи с тем, что данное направление достаточно новое и не имеет четких форм и правил, работы художников уже выходят за рамки чисто живописных. Например, японский художник Адзума Макото запускает растения в стратосферу. Специально для этого им был создан проект «EXOBIOTANICA».

Теория цвета. От Ньютона до Кандинского

Цвет — это основополагающая часть живописи, без него невозможно создать ни одну картину. Современная наука, изучающая цвет, делится на три направления: колористика, цветоведение и колориметрия. Первое изучает характеристики цвета, гармонию между различными его оттенками, механизм воздействия цветов на форму. Второе изучает цвет с точки зрения естественных наук: химии, физики, физиологии и т.п. Колориметрия является скорее методом химического анализа, который применяется для определения концентрации какого-либо вещества в растворе.

Еще ученые древности замечали разнообразие цветов в природе и их сочетание друг с другом, поэтому стремились систематизировать их. Только в 1676 году Исаак Ньютон, используя трехгранную призму, смог разложить солнечный свет на цветовой спектр. Он послужил основой для систематизации цветов в виде круга, в котором Ньютон выделил семь цветов. Только через 140 лет после Ньютона Иоган Гёте усовершенствовал его изобретение, добавив в круг пурпурный цвет. Также Гёте в работе «Учение о цвете» выявил чувственно-нравственное воздействие цвета на человека.

Продолжил изучение теории цвета и его влияния Василий Кандинский — художник и теоретик абстрактного искусства. В книге «О духовном искусстве» (1912) он пишет, что цвет для художника «является средством, которым можно непосредственно влиять на душу». Там же Кандинский рассматривает цвет в нескольких аспектах. Он отмечает связь между формой и цветом: второе не может существовать без первого. Именно форма способна влиять на восприятие цвета, она может его усиливать или приглушать. В качестве примера приводится желтый и синий цвет: желтый становится ярче в остроконечной форме, а синий—в круглой. Также теоретик абстрактного искусства приписывает каждому цвету четыре звучания: теплое или холодное, темное или светлое.

Продолжая изучения Гёте, Кандинский описывает духовное действие каждого из девяти цветов: красного, оранжевого, желтого, зеленого, синего, фиолетового, белого, черного и серого. Например, желтый—цвет безумия, помешательства, а синий успокаивает и вводит в тоску. Смешение этих двух цветов приводит к появлению зеленого, главное свойство которого пассивность, отсутствие движения. Таким образом, Кандинский впервые подробно систематизирует цвет с точки зрения живописи.

Таким образом, мы видим, как совершенно полярные, на первый взгляд, культурные феномены тесно связываются друг с другом. Наука открывает не только новые методы работы с искусством, она является вдохновением для творцов. В свою очередь, искусство также дополняет науку: именно оно становится инструментом, с помощью которого общество доносит до ученого сообщества свою реакцию на его открытия.

Примеры, приведенные в статье, еще раз подтверждают, насколько тонка грань между точным, научным и эмоциональным, чувственным подходом осмысления реальности, если её исследует человек.